Eine Gruppenausstellung voller sommerlicher Energie

Von The Independent, 30. August 2023

Die aktuelle Ausstellung der Gaa Gallery präsentiert die Werke von 17 zeitgenössischen Künstlern, von denen viele noch nie zuvor in Provincetown gezeigt wurden. Die von Gavin Kennedy kuratierte Ausstellung bietet materiell reiche Objekte aus einer internationalen Liste, aber die Stimmung ist sowohl lokal als auch saisonal. Der Titel der Ausstellung, „Summer Escape“, gibt den Ton an, und die Kunstwerke – viele davon farbenfroh und haptisch – folgen diesem Beispiel. In diesen Bildern lösen sich Formen in atmosphärischen Dunst auf, Farben vibrieren gegeneinander und Figuren schwelgen in einer wunderschönen Umgebung. Der Galerieraum strahlt die wohltuende Atmosphäre eines Provincetown-Sommers oder eines traumhaften Tages am Strand aus.

Laurens Legiers, Ohne Titel (grüne Blätter mit Sonnenlicht)

Laurens Legiers, geboren 1994, hat dieses Stück ohne Titel gelassen und nur eine kurze Beschreibung zur Aufklärung des Betrachters gegeben: „Grüne Blätter mit Sonnenlicht.“ Aber ich sehe keine grünen Blätter – ich sehe das Porträt einer fremden Landschaft: bauchige, federleichte Hügel und Täler; aggressiv dumme lila Wolken; ein greller Sonnenuntergang dahinter. Der durchsichtige, weißliche Blasenzug (Legiers‘ „Sonnenblendung“) ist eine unbekannte Krypta, die vage an eine Raupe erinnert. Es kriecht oder schwebt dem Sonnenuntergang entgegen wie der Held am Ende eines Films.

Legiers lebt und arbeitet in Antwerpen, Belgien. Seine Kunst orientiert sich an den Prinzipien der Romantik. Wie mir ein begeisterter Professor für Musikgeschichte in Oberlin erklärte, gibt es eine Möglichkeit, diese Ära effektiv zu definieren: „die Unendlichkeit“. Komponisten der Romantik wie Beethoven und Schumann strebten danach, Musik zu schaffen, die sich sprachlicher Definition entzog. Legiers unbetiteltes Stück wirkt in gewisser Weise unendlich, da es nur mit feinen Farbstiftwirbeln gezeichnet ist. Hinter jedem „grünen Blatt“, unter jeder Wolke und hinter der blassen Sonne ist leerer Raum.

Die Blätter sollten im aufgeblasenen Zustand ein Geräusch machen, wenn sie sich bewegen, aber das Papier schweigt; Ich kann mir jeden unendlichen Klang vorstellen. Die „Sonnenblendung“ spiegelt sich in einer unbestimmten Dimension wider. Wenn ich glaube, dass ich grüne Blätter im Sonnenlicht betrachte, glaube ich vielleicht, dass ich kleiner als ein Blatt bin. In diesem Fall wird die Welt unendlicher denn je. –Dorothea Samaha

Lumin Wakoa, Frühling auf dem Friedhof Ahawith Chesed

Im Vergleich zu den größeren, in der Galerie ausgestellten Stücken wirkte „Spring in Ahawith Chesed Cemetery“ zurückhaltend. Mit einer Größe von 11 x 14 Zoll, mit Öl auf Leinen über einer Tafel ausgeführt, hatte das Werk nicht die Auffälligkeit oder Grandiosität seiner Nachbarn. Aber als ich meine Nase näher an Lumin Wakoas Gemälde hielt, war ich fasziniert von der wilden Bewegung des rosa-violetten Blütenstrauchs und des hohen Baumes, der sich über mir erstreckte. Ihre aus der Ferne so klaren Formen lösten sich in Unschärfe und dreidimensionaler Textur auf. Ich sah rosa Flecken auf dem dunkelgrünen Gesicht des Baumes und dunkelgrüne Schatten unter dem leuchtenden Rosa des Blumenstrauchs. Die Grabsteine ​​blieben still – ihre Linien waren klarer und ihre Grautöne fester. Wakoa malt das strahlende Leben nicht gegen, sondern neben der Stille und dem Frieden des Todes.

Wenn ich mir Wakoas andere Arbeiten auf ihrer Website ansehe, fällt mir ein Thema mit Blumen und Symbolen des Todes auf. Totenköpfe sitzen umgeben von Farbe. Die Textur sieht fühlbar aus. Sie malt in kleinen Strichen, die das Gefühl der Bewegung in ihrer Arbeit verstärken. Viele ihrer Arbeiten wirken abstrakter als „Frühling auf dem Ahawith-Chesed-Friedhof“, das sie 2023 malte. Vielleicht versucht sie einen neuen Ansatz.

Ich möchte wissen, was sich hinter dem Busch, den Grabsteinen und dem Baum verbirgt. Dezente Schatten im Hintergrund lassen die kleine Landschaft weitläufig erscheinen. Obwohl das Stück voller Farben und sowohl belebter als auch unbelebter Objekte ist, habe ich ein Gefühl von Raum. Ich bin gerade auf der Durchreise und dieses Gemälde ist mein Blick nach rechts. – Eve Samaha

Letha Wilson, Death Valley Mosaik Canyon

Der Titel von Letha Wilsons Skulptur „Death Valley Mosaic Canyon“ scheint widersprüchlich zu sein. „Death Valley“ suggeriert Trostlosigkeit, während „Mosaic Canyon“ leuchtende Farben hervorruft. Der Konflikt ist in diesem Stück deutlich zu erkennen: helle Blautöne, die ungeschickt von einem korrodierenden Metallmast unterbrochen werden.

Wilsons Skulptur besticht durch die Mischung von Industrie- und Naturbildern durch gemischte Medien und zeigt eine von menschlicher Präsenz geprägte Landschaft. Typischerweise nutzt sie Fotografie – hier Bilder von ihren Reisen durch den amerikanischen Westen –, um Stücke zu schaffen, die unmittelbar die Interaktion zwischen von Menschenhand geschaffenen Objekten und der natürlichen Umgebung zeigen.

Bevor ich die „Summer Escape“-Ausstellung der Gaa Gallery besuchte, hatte ich den Tag damit verbracht, über die Waldbrände in Maui, Hawaii, zu lesen und Fotos davon anzusehen. Flammen hatten die Landschaft verwüstet und Metallstangen zwischen verbrannten Häusern und schwelenden Autorahmen zurückgelassen – die einzigen Erinnerungen daran, dass dort einst Menschen lebten.

Als ich Wilsons Skulptur und das Zusammenspiel von Landschaftsbildern, greifbaren Skulpturen und von Menschenhand geschaffenen Materialien sah, erinnerte ich mich an diese Bilder der Zerstörung. Menschliche Eingriffe verschmolzen in ihrer Skulptur, genauso wie Häuser als ascheartige Infiltrationen, menschliche Überreste, die sich mit der Erde vermischten, in die Topographie von Maui integriert wurden.

Trotz der Waldbrände wird neues Wachstum entstehen. Asche düngt den Boden und lässt Wildblumen entstehen. Wilsons Skulptur gab mir Hoffnung: In einer vernarbten Landschaft könnten nach der Verwüstung Lebendigkeit und Vitalität entstehen. – Georgia Hall

Johanna Robinson, Ein Gegenmittel gegen feindselige Architektur (Greyhounds)

Windhunde, strahlend weiß und durchscheinend, so dünn, dass ich ihre Rippen zählen kann, stehen auf einer Bank mit gleichmäßig verteilten Armlehnen. Die Armlehnen suggerieren eine amerikanisierte Version von „Komfort“: „persönlicher Raum“. Aber tatsächlich stören sie die Sitzfläche der Bank und machen es für niemanden unmöglich, sich hinzulegen.

Eine Frau liegt auf dem Rücken der Windhunde und wirkt schwerelos. Das Stück fühlt sich traumhaft an – eine Vision mittelalterlicher Farben und Silhouetten, fragwürdiger Physik und unbestreitbarer Körperlichkeit. Fühlt sich die Frau auf den stacheligen Rücken der Hunde wohl? Sind ihre zarten Beine stark genug, um sie zu tragen? Jeder scheint mit diesem bescheidenen Vorschlag völlig zufrieden zu sein.

Vielleicht denkt die Frau über die grausame Absurdität feindseliger Architektur nach. Oder vielleicht denkt sie über die Loyalität von Hunden nach. –Dorothea Samaha

Nachhall

Das Ereignis:Gruppenausstellung: „Summer Escape“, Teil IIDie Zeit:Bis 30. SeptemberDer Ort:Gaa Gallery Provincetown, 494 Commercial St.Die Kosten:Frei

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Markiert mit: Johanna Robinson, Laurens Legiers, Letha Wilson, Lumin Wakoa. Abgelegt unter: Kunst, Künste & Köpfe